https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=606 Index de interpretation fr 0 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=2990 Bien qu’on attribue la renaissance des Suites pour violoncelle de Jean-Sébastien Bach à Pablo Casals, celles-ci ont été omniprésentes dans la formation des violoncellistes du XIXe siècle. Depuis la première édition publiée en 1824 par Louis Norblin, professeur de violoncelle au Conservatoire de Paris, sous le titre de Six Sonates ou Études, les Suites furent constamment rééditées par divers interprètes de toute l’Europe. La fidélité aux sources et la notion d’Urtext n’étant pas ancrées dans les esprits du XIXe siècle, les Suites se virent quelques peu arrangées, remaniées voir complètement défigurées. Friedrich Grützmacher en livre sa propre édition en 1866. Considérée comme une vieillerie presque comique de nos jours en raison de la multitude d’indications qui noircissent la partition et surtout de la réécriture fréquente de la musique même, cette version est totalement tombée dans l’oubli. Avec ses indications de phrasé ou de tempo, ses ajouts de nuances, d’accords, de voix, ses nouvelles modulations et même ses transpositions, l’édition de Grützmacher semble à l’opposé de notre notion actuelle d’authenticité, alors que le violoncelliste prétendait justement rendre service à l’œuvre. Pourtant, loin d’être une simple folie arbitraire, cette édition a beaucoup à nous apprendre. Que ce soit à propos des habitudes interprétatives d’une époque, de la réception de la musique ancienne ou de l’amour cultivé pour Bach, la version des Suites de Grützmacher est une mine d’or qu’il convient d’exploiter pour réinterroger nos pratiques actuelles. Although Pablo Casals is credited with the revival of Johann Sebastian Bach’s Cello Suites, they were ubiquitous in the formation of 19th century cellists. Since the first edition published in 1824 by Louis Norblin, professor of cello at the Conservatoire de Paris, under the title of Six Sonates ou Études, the Suites have been constantly reissued by various performers from all over Europe. Fidelity to sources and the notion of Urtext not being anchored in the minds of the 19th century, the Suites saw themselves somewhat arranged, reworked or even completely disfigured. Friedrich Grützmacher publishes his edition in 1866. Considered an almost comical old fashion nowadays because of the multitude of indications that blacken the score and especially the music itself which is often rewritten, this version has totally fallen into oblivion. With its indications of phrasing or tempo, its additions of nuances, chords, vocals, new modulations and even transpositions, the edition of Grützmacher seems to be the opposite of our current notion of authenticity whereas the cellist rightly claimed to be of service to the work. Yet far from being a mere arbitrary madness, this edition has a lot to teach us. Whether it is about the interpretive habits of an era, the reception of early music or the love cultivated for Bach, the version of Grützmacher’s Suites is a gold mine that should be exploited to re-examine our current practices. mer., 06 nov. 2024 10:02:02 +0100 lun., 13 janv. 2025 13:32:19 +0100 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=2990 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=1879 À travers l’expérience des projets « Transversalissime » – rencontres entre musique classique et jazz– proposés par le département Jazz et musiques improvisées au sein du Conservatoire de Paris depuis 2010, cet article propose une réflexion multiple sur le principe de création/re-création, faite d’expériences riches et concrètes en la matière. Il apparaissait également intéressant d’étudier quelques exemples précis de musiciens ou d’albums emblématiques de l’histoire du jazz afin de soutenir l’idée que création et re-création ne formeraient qu’une seule et même entité. English title:Jazz : a permanent back and forth between creation and re-creation Through the experience of the « Transversalissime »projects – encounters between classical music and jazz – proposed by the Department of Jazz and Improvised Music at the Paris Conservatoire since 2010, this article proposes a multifaceted reflexion on the notion of creation/re-creation, based on a wealth of concrete experiences. It seemed equally worthwhile to explore specific examples of musicians or iconic albums from jazz history to re-enforce the concept that creation and re-creation constitute, in fact, one unique entity. mar., 05 déc. 2017 16:27:28 +0100 mar., 18 janv. 2022 10:24:47 +0100 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=1879 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=1800 Ferruccio Busoni, l’une des plus illustres figures de la musique au tournant des deux derniers siècles, a marqué toutes ses sphères. Aujourd’hui, son nom est souvent associé aux compositeurs qu’il a transcrits, principalement pour le piano. En tant que transcripteur, il a eu de nombreux prédécesseurs, mais il est celui qui a porté à son paroxysme l’interaction entre composition, transcription et interprétation. Pour lui, le compositeur est un prophète : il organise la musique qui, préexistante, émane d’une éternelle source divine. Et puisque toute la musique préexiste déjà sous quelque forme que ce soit, la frontière entre la composition et la transcription disparaît. L’interprète ne peut jamais recréer l’œuvre dans son original et devient lui-même un transcripteur qui crée de nouvelles versions des œuvres qu’il interprète. English title: For the occasion of the 150th anniversary of the birth of Ferruccio Busoni: a prophet between the composition and the transcription Ferruccio Busoni, one of the most illustrious figures in the domain of music at the turn of the previous two centuries marked all its spheres. Today, his name is often associated to other composers which he transcribed, mainly for piano. As a transcriber he had numerous predecessors, but he was the one who maximally blurred the borders between the transcriptions and the composition. For him, the composer is a prophet: he organizes the preexisting music which emanates from an eternal divine source. If all the music preexists, the borders between the transcription and the composition vanish. The performer can never recreate the original, so he becomes a transcriber who creates new versions of the works that he interprets. lun., 04 déc. 2017 16:02:03 +0100 sam., 09 déc. 2017 14:04:30 +0100 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=1800 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=1473 Le développement du répertoire et la recherche de nouvelles voies pour un saxophoniste dans le monde artistique actuel n’ont cessé d’aiguillonner mon activité. Susciter des œuvres qui définissent l’identité d’un jeune interprète et celle de son instrument m’a tout naturellement conduit à accueillir au sein de ma classe de nombreux compositeurs. Ces rencontres ont largement dépassé mes objectifs en matière de quantité d’œuvres nouvelles, de connaissance des langages musicaux et de capacité à les partager. Elles sont devenues une culture. La transmettre dans toute sa réalité humaine est toujours l’un de mes projets les plus vivaces. The relationship between the composer and the interpret at the center of pedagogy, a wonderful musical and human adventure. Testimony My musical activity is strongly motivated by the development of repertoire and the search for new paths for saxophonists in today’s artistic world. I have always had the strong desire to commission new pieces that reveal the identity of young players and their instrument; therefore I began very early to invite composers into my saxophone class. These meetings largely exceeded expectations with regards to the quantity of new pieces, knowledge of musical languages and the ability to share. They have become a culture. Teaching the spirit of human reality of this culture still remains one of my most vivid projects. ven., 23 juin 2017 10:44:48 +0200 ven., 23 juin 2017 10:51:12 +0200 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=1473 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=1442 On l’a beaucoup dit : interpréter c’est recréer ; mais il semble que l’époque – la nôtre – exige plus. Il s’agit d’être créateur à part entière, et le mot fait florès dans tous les domaines, et jusque dans les très envahissants slogans publicitaires. Au théâtre, à l’opéra, au cinéma, et aussi sur l’estrade de la salle de concert, le commentaire personnalisé d’un texte, passé ou contemporain, veut occuper, de plein droit, le devant de la scène. Appropriation légitime, sur une ligne de crête très étroite entre orgueil et humilité ? Ou cuistrerie sans pareil qui impose le pauvre jeu de mot du texte-prétexte ? Il y a un peu de tout cela. C’est selon ; et l’imposture n’est pas toujours là où on l’attend, déjouant le piège des apparences. On nous permettra, en tant que musicien et enseignant ayant passé la majeure partie de sa vie à interroger le sens des œuvres, et corollairement le sens ultime de sa vocation, de tenter d’éclairer une question complexe, dominée peut-être, en dernier recours, par le magistère de l’éthique. Creation-recreation or the performer’s jealousy “Interpretation is recreation”. This is an agreed truth in the world of performing arts. As a violinist and music teacher, having spent a major part of my life questioning the meaning of the works, and ultimately the meaning of my own vocation, I will try to present the different figures of performers throughout history, pointing out the eternal conflict between the spirit and the letter of a text. ven., 23 juin 2017 10:18:15 +0200 ven., 23 juin 2017 10:26:16 +0200 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=1442 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=595 Notre ressenti, conditionné par l’analyse et notre connaissance du répertoire et de ses traditions, nous permet de transmettre une interprétation qui constitue ce que l’on pourrait nommer « ma manière de mettre l’œuvre au monde ». Dans un cheminement phénoménologique de « retour à », je propose de retrouver une simple sémiotique et « des oreilles chastes » (Berlioz) pour ouvrir d’autres champs d’interprétations. Il est alors possible de revenir à l’analyse et à l’investigation musicologique par le biais des outils contextuels. Ainsi, j’identifie comme la figure de rhétorique aposiopesis/suspiratio l’ostinato demi-soupir/deux croches du Lacrimosa du Requiem de Mozart. Ce qui me permet de donner à ressentir la figuration des larmes : apnée, souffle court… J’enquête sur les conventions ponctuelles implicites avec le public – double-entendre – et cherche les moyens de les révéler aujourd’hui, je relie les citations et autocitations – intertextualité – pour en interpréter les parentés sémantiques et les partager… Incessamment relue, l’œuvre offre à relire incessamment son interprétation. English title : Rhetorical figures, “double-entendre” or double meaning, intertextuality, colours, musical forms: an approach to the ways Mozart expresses meaning What we feel, however brought about by analysis and our knowledge of the repertoire and its traditions, enables us to pass on an interpretation, which might be named “my own way of delivering the piece of music”. Through a phenomenological progression consisting in “going back to”, my purpose is to go back to simple semiotics and “pure ears” (Berlioz), leading up to new interpretative fields. In turn, using contextual tools, it becomes possible to go back to analysis and investigative musicology. Thus, I have identified the aposiopesis/suspiratio ostinato (quaver rest/two quavers) as being the rhetorical figure in Mozart’s Requiem Lacrimosa. It conveys the feeling and the musical metaphor for “tears”: breath-holding, short breath... I have been investigating how audiences shared implicit conventions with Mozart – “double-entendre” –, and I have been looking for ways of bringing them to light nowadays.  I have connected quotations and self-quotations – intertextuality – in order to explain semantic similarities and share them with the listener… Endlessly revisited, Mozart’s work is an endless invitation to revisit its interpretation. jeu., 23 mai 2013 10:40:17 +0200 ven., 14 juin 2013 10:50:08 +0200 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/image/2506/index.php?id=595