https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/file/805/index.php?id=899 Index des publications de Auteur Isabelle Loiseleux fr 0 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/file/805/index.php?id=882 Le premier instrument du musicien est son corps. C’est par celui-ci que passent les intentions, les émotions qui font de celui-là un interprète. Car avant même d’être en mesure d’interpréter, l’apprentissage du geste musical est primordial. Ce geste c’est bien sûr d’abord l’ensemble des techniques propres à chaque instrument, à la formation des sons, leur justesse, leur qualité. Mais c’est aussi l’intégration du lien corps/mental/son grâce à la juste conscience corporelle. C’est ce lien qui permet ce passage du geste au savoir-faire, de la contrainte à la liberté d’expression. Pourtant on demandera à l’apprenti musicien, dès qu’il aura son instrument dans les mains, de savoir se tenir droit sans tensions, de savoir bouger certaines parties de son corps sans en contracter d’autres, de savoir respirer, de se sentir stable, de gérer ses émotions, son mental… Autant de savoir-faire que devra impérativement construire puis maîtriser le musicien s’il veut pouvoir interpréter dans l’excellence… et durer ! Cependant, tout ce savoir-faire est censé – sans éducation corporelle adaptée – apparaître à mesure de l’apprentissage de la technique instrumentale pure. Le problème est que souvent, rien – ou trop peu – n’apparaît, contraignant le musicien à gérer comme il le peut ses douleurs, ses difficultés techniques, sa mauvaise respiration, son trac… éloignant le plaisir du jeu, voire même contraignant à l’abandon. Plus tard, quel impact ce manque d’éducation corporelle aura-t-il sur la technicité du musicien professionnel, sa santé, la qualité du son qu’il produira et sa capacité à interpréter ? Enfin quel impact cela aura-t-il dans l’enseignement et la transmission du geste artistique, où le rapport au corps n’est pas considéré comme un préambule nécessaire, explicité, travaillé en amont sans l’instrument puis avec, et organisé à mesure de l’évolution du musicien ? Dans la chaîne pensée (intention musicale)/geste/exécution, pourquoi ce geste est-il trop souvent vu comme une donnée purement technique réservée à l’instrument et non comme la continuité d’une conscience corporelle générale ? Quelles solutions pourrions-nous envisager ? Autant de questions que cet article développe afin d’ouvrir la réflexion et susciter le débat. English title : The importance of body conscience in learning, performing and teaching musical gestures The main instrument of a musician is his/her body: it holds the ability to translate intentions and emotions into body language, which ultimately turns a musician into an interpreter. As a consequence, the ability to play music relies on the acquisition of musical gestures, which involves techniques and sound quality that may differ between instruments. However, developing a proper body conscience is instrumental in linking the interpreter’s body and spirit to the sound of the instrument itself. This complex process makes it possible to translate gestures into know how, and overcome constraint to reach freedom of playing. During apprenticeship, musicians are taught to stand straight without body tension, to move body parts independently from each other, to breathe properly, to feel stable and to control emotions and thoughts. Building and strengthening these abilities is critical to the quality of interpretation, and to long lasting careers. It best relies on a pre-existing and adapted physical education; however, the education of musicians relies almost exclusively on the acquisition of technical skills and often ignores the need to develop body conscience. Therefore, musicians have to deal too often with physical pain, technical difficulties, inadequate breathing or stage fright without proper physical training. This situation can alter the pleasure of playing and ultimately force interpreters to give up music altogether. Based on several years of teaching professional musicians, the author questions the impact of a lack of adapted physical education on the acquisition of technical skills, health, sound quality and ability of professional musicians to perform and teach. Her critical analysis focuses on the detrimental effects of favouring technical skills over a more global approach that should include the perception of their own body by musicians. This paper paves the way to much needed changes in the teaching of musical gestures, which should consider a continuum from the musician’s body to his/her instrument rather than dissociate them. mar., 17 juin 2014 15:41:05 +0200 mer., 13 mai 2020 11:45:34 +0200 https://larevue.conservatoiredeparis.fr:443/index.php/news/outil/js/docannexe/file/805/index.php?id=882